Peter Doherty - Grace/Wastelands

Continuamos con la serie de colaboraciones que escribo para Rocktails con una semblanza del primer y sorprendente disco en solitario del ex Libertines Peter Doherty, titulado Grace/Wastelands.

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Peter Doherty
Grace/Wastelands (EMI, 2009)

Figura díscola y eternamente polémica del rock británico, aparente mesías nunca realizado de toda la música de aquella región, este ya treintañero músico llega por primera vez a las bateas con un disco de factura propia al que titula Grace/Wastelands y para el que -seguramente ansiando que se lo tomen en serio- abandona su seudónimo por un nombre más serio: ya no es más Pete. Ahora llámenlo Peter Doherty, que de él se trata.

Y si ustedes son, como yo, uno de esos incrédulos que jamás le vio el mérito ni a los híper inflados The Libertines ni a los posteriores Babyshambles y siempre pensó en Doherty más como uno de esos simpáticos personajes a los que los tabloides británicos aman odiar que como un músico de fuste, Grace/Wastelands los va a sorprender. Porque ya desde el hermoso medio-tiempo que abre el disco, la melancólica "Arcady", Pete(r) demuestra que para él ha llegado el tiempo de dejar atrás los escándalos y el espíritu inconstante y madurar.

Claro que para ello no se privó de nada y convocó a otro de los grandes genios ignorados de la música británica del siglo XX para acá: el enorme Graham Coxon, ex y ahora reunido guitarrista de Blur cuyos discos solistas (chequeen si no Happiness In Magazines, 2004 o Love Travels At Illegal Speeds del '06 como botones de muestra) se cuentan entre lo mejor que haya venido de aquel lado del Atlántico en nuestros tiempos. Coxon le da, con su particular modo de tocar la guitarra, un ambiente idóneo a la -hay que reconocerlo- expresiva voz de Doherty para recorrer canciones casi autobiográficas, permanentemente referenciales y (lo que es más interesante) estupendamente bien compuestas y producidas con la ayuda de otro grande: Stephen Street, responsable entre otras gemas de Meat Is Murder (Smiths, '85), Parklife y Blur (Blur, 1994 y '97) y No Need To Argue (Cranberries, 1994).

Rodeado casi por un equipo de los sueños, Doherty da lugar a lo que seguramente sea el mejor material que ha grabado: 40 breves pero intensos minutos de canciones acústicas de íntima relación con el mejor brit-pop de mediados de los '90 pero con un toque actualizado y -lo que es más importante- maduro. Los que hayan escuchado ese caos sonoro que fueron los Babyshambles jamás podrán creer que este tipo que canta preciosamente "I Am The Rain" (una de las joyas del álbum) con evidentes préstamos beatle sea el mismo que se desgañitaba autodestructivo allí. Ojalá no nos engañe, porque en base a lo que se puede escuchar en Grace/Wastelands podríamos esperar por un Doherty adulto que finalmente le de al rock todo lo que la prensa británica (acostumbrada a inflar inmerecidamente a unos e ignorar de forma despiadada a otros, de todos modos) insinúa que Pete(r) puede hacer.

En definitiva: bien por Pete(r) Doherty, bien por este Grace/Wastelands. Que sea el inicio de un romance nuevo para el siempre caótico Pete: uno que lo una a lo que se ve que cuando quiere sabe hacer, música. Si no escuchen "Sweet By And By" y me cuentan.

[Publicado originalmente el 22 de junio de 2009 en Rocktails.]

Reflexiones sobre Damo Suzuki en Argentina

Mi (por ahora) última colaboración con la gente de Rocktails ha sido una especie de crítica sobre el reciente show de Damo Suzuki en el ND Ateneo. Por sus características particulares, lo que salió fue -en lugar de una semblanza sobre el recital- una serie de ideas sueltas relacionadas con el recital. Que las disfruten.

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Reflexiones sobre Damo Suzuki en Argentina

El sábado estuve en el ND Ateneo, donde el genial Damo Suzuki -acompañado por una decena de músicos argentinos: los cuatro Pez, los tres ÜL (ex Reynols y organizadores de la velada), Hernán Espejo (alias Compañero Asma) y un par de los Honduras- hizo una nueva escala en su Never Ending World Tour en el que, como desde hace años, se dedica a sesiones de extensa creación única e instantánea. La imposibilidad de una crítica "formal" y el muy especial ámbito hicieron mella en mí, disparándome una serie de pensamientos que hoy comparto con ustedes.

Uno. Los que estuvimos en el Ateneo el sábado tuvimos una suerte única: presenciamos el acto más magnánimo del hombre -la creación espontánea- en todo su esplendor. Durante dos horas, Suzuki fue el capitán de un barco que generó rápidas instantáneas irrepetibles, etéreas y que se desvanecieron tan pronto como aparecieron, quedando sin embargo grabadas en el cerebro y la retina en una mezcla de ambrosía y estupor sin precedentes. La memoria no recoge momentos puntuales en el show y eso es bello: el recuerdo se construye a través de sentimientos, sensaciones tan únicas e irrepetibles como lo generado allí. Puedo rememorar lo que sentí cuando los muchachos llegaban a esos cénit de entendimiento mutuo que partían el aire del lugar con su certidumbre; casi paladeo el sabor de las lenguas de fuego despedidas en forma de letras igualmente improvisadas por Damo; pero no me pidan que les recuerde estructuras musicales. Este recuerdo no se construye así, este recital se sintió, no se escuchó: se experimentó con todo el cuerpo.

Dos. Esta experiencia única desató en el público una especie de feliz anarquía que imitaba el ir y venir de músicos en el escenario mediante gente bailando parada en los pasillos, personas acercándose al borde de la escena a abrazar a Suzuki, gente aplaudiendo de pie y a los gritos, un pullman donde ya no existía la convención del asiento. El contagio llegó más allá de la mera apreciación musical y creó un fenómeno de empatía: Damo nos transmitió la necesidad imperiosa de estar ahí con un motivo, divertirse, dejar los límites en el vidriado hall del Ateneo y dejarse llevar. El impacto de aquel convite donde todos hacían -arriba- lo que les venía en gana en consonancia y comunión con el otro hizo desplegar una de las mejores (y olvidadas) cualidades humanas: el saber que toda noche es única, que el momento de ser feliz es hoy. Damo nos hizo felices, nos mostró que las convenciones son cárceles y que uno puede ser libre si quiere, aunque sea por un rato nomás.

Tres. Si hay algo que quedó claro después de este sábado, es que a la música de verdad -esa que no se arma en laboratorios, no se crea en frías agencias de publicidad y no se gesta mecánicamente en asépticos estudios de grabación- no alcanza con saberla tocar: hay que saborearla. Saborear la música es tener ganas de ser un hombre nuevo cada vez que se sube a un escenario, es reinventarse sobre la marcha sin saber dónde se va, es disfrutar de una nota por vez, es no temerle a saltar sin red. La seguridad es una mentira, un corset donde se quedan los mediocres, y el señor Damo Suzuki lo sabe. Por eso detesta los estudios, por eso hace poesía cantada mientras los demás hacen música sin ninguna línea, sin ningún límite, sin vergüenzas ni prejuicios. La música que se creó allí nos hizo saborear el momento, vivir ese segundo sin entender ni querer entender, sólo sintiendo y disfrutando. Y eso, mis amigos, eso es indescriptible.

Por eso no puedo hacer una crítica. Por eso sólo me queda seguir pensando en cuánta suerte tuvimos todos los que estuvimos ahí.

[Publicado originalmente el 8 de junio de 2009 en Rocktails.]

Depeche Mode - Sounds Of The Universe

Depeche Mode
Sounds Of The Universe (EMI, 2009)

Tras otros cuatro años de silencio en lo que a estudio se refiere -tendencia que parece intencional, ya que el antecesor directo de su Playing The Angel de 2005 es Exciter, de 2001 y antes estuvieron Ultra en 1997 y el genial Songs Of Faith And Devotion en el '93- el trío inglés Depeche Mode vuelve a sacudir las bateas con la edición de un álbum de material nuevo al que han bautizado Sounds Of The Universe.

Cuando en 2001 salió Exciter (disco del que hablábamos arriba) muchos pensaron que la banda estaba dando sus últimos estertores de vida. Aquel álbum, que decepcionó por lo insulso (siendo que si algo caracterizó desde siempre al grupo, esto era su intensidad), llevó a muchos a pensar que había llegado el final de Depeche Mode y con ellos, del ochentoso synth pop. Esta idea, que se vio reforzada por la salida de Paper Monsters, el primer disco solista de Dave Gahan -el cantante del grupo- en 2003 y los consiguientes rumores de separación inminente, llevó a que la salida de Playing The Angel en 2005 fuera una recibida sin mayores expectativas.

Pero aquella apreciación probó ser un grave error: Playing The Angel, con su industrial oscuro, denso y casi rockero que revivía los tiempos de gloria de Violator (1990), fue la resurrección de Depeche Mode y les otorgó una renovada atención por parte del público. Aprovechando la tranquilidad que les dio el cumplir con creces, se tomaron otros cuatro años para -esta vez con más ansiedad por parte de la comunidad rockera de por medio- lanzar este Sounds Of The Universe. Y la verdad es que si bien este disco está lejos de su antecesor en términos de impacto, deja una saludable sensación.

Porque si Playing The Angel es el Violator del Depeche Mode del 2K, Sounds Of The Universe continúa en esta senda revisionista mediante un regreso a texturas que parecen sacadas de sus primeros discos (Speak & Spell, A Broken Frame) para que así la banda se despache con un disco que suena más synth pop que nunca. Gahan y su ladero Martin Gore volvieron a los viejos equipos y sintetizadores y -más relajados- elaboraron un exacto complemento al elogiado disco anterior donde Depeche baja la intensidad pero crece en tensión mediante crescendos cuidadosamente articulados y gracias a que la voz cantante se muestra en su mejor momento tanto artístico como creativo (las mejores canciones del álbum salen de su cosecha, de hecho: "Come Back" y "Hole To Feed" son dos joyitas).

Sounds Of The Universe es, en resumen, atrapante, intrigante. Es un disco difícil, que requiere varias escuchas para superar la sensación de anacronismo que las reiteradas referencias a los años '80 le imprimen. Pero les aseguro que una vez salvaguardado ese escollo, es la demostración -irónicamente, mediante constantes déjà vu- de que Depeche Mode está más vivo que nunca y que puede atraer tanto a viejos fans nostalgiosos como a neófitos deseosos.

[Publicado originalmente el 7 de junio de 2009 en Rocktails.]

¿Faith No More y Alice In Chains en Argentina?

La próxima nota no es una crítica sino un comentario de unos supuestos futuros recitales que traerían a Faith No More y Alice In Chains a nuestro país. La encontré el mismo día en que escribí la crítica anterior y no pude dejar de reflejarla, obvio.

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¿Faith No More y Alice In Chains en octubre?

Generalmente, en la prensa de rock suelen surgir rumores que ilusionan a más de uno y generan una alegría compulsiva. Claro que nadie suele creérselos por descabellados o demasiado buenos para ser cierto... Pero de vez en cuando llega alguno que otra buena nueva a la redacción de esas que hacen saltar a los redactores en sus sillas y nos ponen a todos en ascuas.

Es este el caso de la noticia que levantó el diario uruguayo El País y que da cuenta (sin condicionales, por cierto) de dos supuestas visitas que coincidirán en mes en nuestro país y que harán -de concretarse, claro- las delicias de todos los melómanos, y en especial de aquellos aficionados a la década del '90: se trata de las presentaciones de Faith No More y Alice In Chains.

Aparentemente, los recientemente reunidos y liderados por Mike Patton y Billy Gould ya habrían arreglado (amén de sus numerosas presentaciones en los festivales del verano europeo) al menos tres paradas en Sudamérica, de las cuales la noticia sólo aclara fecha para una: el 30 de octubre en Santiago de Chile. Lo que sí se sabe -siempre según esta fuente- es que el show en Buenos Aires sería anterior al que darían en el vecino trasandino. Veremos... Por ahora, tensa espera.

Mientras tanto, los capitaneados por Jerry Cantrell -y que cuentan en la voz con William DuVall en reemplazo del malogrado Layne Staley, además de los otros dos miembros de la alineación "clásica" Mike Inez en bajo y Sean Kinney en batería- llegarían (también según la noticia citada) al país en octubre para presentar su nuevo disco que, ya listo, saldrá al mercado en septiembre. Una buena, amantes de la música, es que a diferencia de los Faith No More esta visita sí estaría ya casi confirmada.

Así que ya saben, amigos amantes del buen rock: a esperar a octubre. Ahí veremos quién tenía la razón y quién -si es que alguien- se queda decepcionado.

[Publicado originalmente el 31 de mayo de 2009 en Rocktails.]

Pez - El Porvenir

Segunda crítica de las publicadas en Rocktails, y en este caso me ocupé del último disco de una de mis bandas favoritas, los Pez. El disco, llamado El Porvenir, no tuvo una crítica de las más favorables y eso sorprendió. ¡Hasta alguno incluso se enojó conmigo!

Pero bueno, todo no le puede gustar a todos. Igualmente verán que no es tan negativa la cosa.

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Pez
El Porvenir (Azione Artigianale, 2009)

Quince años de carrera y diez discos editados después, los Pez de Ariel Minimal siguen pensando en El Porvenir. O al menos eso es lo que nos quiere dejar saber el título de su undécimo álbum, editado una vez más por su pujante sello propio Azione Artigianale (que además aloja talentos como Gabo, Flopa y Juan Ravioli) en este 2009 y que, fiel a los mandatos de Minimal, marca un cambio rotundo respecto al último material grabado por la banda (Los Orfebres, 2007).

Pero -lamentablemente- a diferencia de las otras oportunidades, el adagio "temporada de patos, temporada de conejos" con el que los Pez se refieren jocosamente a sus constantes cambios no los ha llevado por el camino más acertado. Y es que El Porvenir está muy lejos (si bien muy cerca en cuestiones genéricas) de glorias como Quemado, Frágilinvencible o el autotitulado Pez de 1998 (al que sin embargo busca emular) por varias razones. Por empezar, se trata de un disco carente de la clásica profundidad lírica del grupo (sintomatología que puede rastrearse incluso en Ese Impulso Superior, el disco que Minimal grabara en 2007 con Florencia Ruiz donde las letras no eran de lo mejor tampoco).

Esto hace que las letras no contagien, repitiéndose en temas remanidos o excesivamente juveniles y llegando incluso a contradicciones como la que puede verse en "Roma", una canción que habla de que "las canciones salvadoras (...) no se pautan en la radio" con un acompañamiento instrumental -justamente- apuntado sin sutilezas a la FM; o las reiteradas alusiones litúrgicas (en "Porvenir" cantan "hasta que un libro me habló y sentí un sol brillando en mi interior" y en "Volverán" claman por "los seres alados" e incluso citan casi textualmente a la Biblia cristiana: "no verá quien no quiera ver") que se contraponen con la visión anti-clerical de otrora que se puede rastrear desde 1994 (en Cabeza grabarían "Dios No Existe") hasta su último álbum (el doblete "¡Salvajes!"/"Hay Lo Que Hay"). Por supuesto, si sobre esto no hay explicaciones de la banda, restará entonces al oyente hacer su interpretación: lo que yo veo como clara contradicción (sobre todo por la ausencia de clarificación), otro lo verá como cambio de opinión. Ustedes sabrán.

Pero lo que sí es claro es que todo esto no podría notarse si no fuera por una gaffe fundamental: es que otros de los caballitos de batalla de Pez siempre fueron el impecable sonido y la cuidada mezcla. Pero en este caso desaciertan y mandan la contestataria voz de Minimal (siempre contagiosa, emotiva) bien al fondo en favor de las guitarras. Lo mismo pasa con el piano eléctrico y el bajo, lo que logra acentuar aún más el efecto antedicho: el disco no contagia. No se logra superar su endeblez desde varios flancos, debilidad que -como se ha dicho- posiblemente se aliviaría con un sonido bien planeado (como sucede en sus presentaciones en vivo, que aún son meritorias, eso sí). Y es una pena, realmente.

A ver, no me malentiendan: un regular disco de Pez es un buen disco de cualquier banda, y es por eso que hay momentos de vuelo como el blues alla Litto Nebbia "Alada" o el bien instrumentado "Volverán" que de alguna manera salvaguardan el álbum. Pero en líneas generales, uno no puede hacer más que esperar, justamente, que El Porvenir traiga nuevo material para Pez, uno que vuelva a los mejores tiempos. En sus palabras: "no es sólo para mí, también otros aquí estamos esperando tu presencia; algo que vivir" ("Alada"). Ya lo saben, muchachos.

[Publicado originalmente el 30 de mayo de 2009 en Rocktails.]

Die Toten Hosen - La Hermandad

Como anticipé cuando estaba Reviviendo este espacio, en él publicaré mis colaboraciones con la revista virtual Rocktails.

La primera de ellas fue una crítica del último disco de los Die Toten Hosen, La Hermandad: En El Principio Fue El Ruido, álbum editado especialmente para Argentina mediante el sello Music Brokers. Que la disfruten.

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Die Toten Hosen
La Hermandad: En El Principio Fue El Ruido (Music Brokers, 2009)

Como si necesitáramos alguna prueba más del amor incondicional de los alemanes de Die Toten Hosen por nuestro país, se ha lanzado La Hermandad: En El Principio Fue El Ruido, una especie de compilación donde los Hosen reúnen canciones de sus últimos dos álbumes de estudio, In Aller Stille (2008) y Zuruck Zum Glück (2004) con algunos bonus muy especiales.

Y si bien son esos bonus los que hacen del álbum una propuesta digna de ser comprada -más por curiosidad que otra cosa- el resto del disco ciertamente no desentona. Porque si bien es interesante escuchar a Campino desgañitarse con un "Uno, Dos, Ultraviolento" en español chapucero, o hablar mitad en español mitad en alemán de una "Vida Desesperada", o gritar "Viva La Muerte" (al fin y al cabo, las únicas novedades del disco), los Hosen no dejan de ofrecernos lo mismo de siempre: punk rock hecho y derecho.

Obviamente que La Hermandad está más que bien. Sobre todo si -como la mayoría del público rockero argentino, seamos sinceros- uno ama a los Die Toten Hosen, los siente casi locales y además (fundamentalmente) le caen bien. Es que es imposible que no te sean simpáticos estos cinco germanos ya entrados en años que aman en partes iguales a Argentina, al punk -especialmente a los aquí adorados Ramones y The Clash, a quienes incluso versionan en "Guns Of Brixton"- y el fútbol.

¿Y el disco? Ah, sí, además había un disco de por medio; y está claro que el álbum no desentona. Si bien tiene ese claro sabor a compilado donde las canciones no guardan coherencia entre sí, lo que se escucha es más de ese siempre agradable punk rock confrontativo construido a partir de paredes de sonido y estribillos de cancha al que los Hosen nos tienen (mal) acostumbrados, además de las ocasionales baladitas y medios tiempos siempre emotivos en los que incurren acertadamente.

En resumen: sí, sabemos que hace treintipico de años que vienen en la misma. Pero los Die Toten Hosen hacen (y son) punk auténtico, de verdad, desde el corazón. Y eso es mucho más de lo que la mayoría de las banditas de ahora puede decir. Tanto, que me hacen laburar un feriado, y me encanta. ¡Auf Ihr Wohl! (Salud, para los que no saben alemán.)

[Publicado originalmente el 25 de mayo de 2009 en Rocktails.]

Reviviendo

A ver, para resumir un poco: este fue mi primer blog. Lo hice cuando era un purrete (?) que no entendía mucho de este mundo que de a poco me ha ido dando ciertas satisfacciones -y disgustos, claro- y por ende, es (si se quiere) el más primitivo de todos ellos desde prácticamente todo punto de vista.

Paz, Amor, Libertad, Respeto (que así se llama este espacio, en definitiva) nunca tuvo una idea puntual, un por qué. Nació como una bitácora personal -algo que nunca fue- y terminó, a la postre, siendo un receptáculo de todo lo que no entraba en otro blog al que sí pude darle un perfil, perfil que acabó siendo exitoso y bien recibido. Hablo, claro está, de Escuchar Es Aprender.

Gracias a aquel blog y su suceso me empecé a interiorizar más en esta tecnología, aprendí conceptos de diseño y HTML con los que mejoré las plantillas, descubrí herramientas útiles y demás situaciones que se dan naturalmente cuando se piensa en realzar una producción propia. Esto hizo que los espacios de nuevos emprendimientos como mi programa radial Contra Todos Los Males De Este Mundo crecieran diametralmente en contenido y diseño; lo mismo sucedió con Escuchar Es Aprender. Pero, en el medio de todo esto, este lugar quedó huérfano.

Es por eso que he decidido revivirlo, y esta revivida tiene una excusa: hace cosa de semanas la revista virtual Rocktails me ha invitado a colaborar con críticas de nuevos lanzamientos y demás, artículos que -al ser de mi autoría- subiré también a este blog próximamente acompañados (obviamente) por nuevas notas y escritos. Este proceso, claro, irá de la mano de un rediseño gradual pero total de este blog al que quiero tanto y, por ende, intentaré revalorizar.

Así que queridos lectores, estén atentos. Habrá mucho más por venir.

Rescatando a... Pavement

Kannberg, Nastanovich, Malkmus, West e Ibold.

En los convulsionados años '90 hubo una banda cuyo legado sería mucho más duradero que el de coetáneos con mucha más atención como Nirvana o Pearl Jam. Esa banda se formó en los albores de aquella década en la ciudad de Stockton, California y se llamó Pavement.

Inicialmente Pavement era en realidad un proyecto de estudio entre los factótums de la idea, los guitarristas, cantantes y compositores Stephen Malkmus y Scott Spiral Stairs Kannberg. Desde sus inicios en 1989 grabaron varios EPs con un sonido característico, muy lo-fi y que entremezclaba un sensible gusto por la melodía pop con guitarras abrasivas e ideas experimentales; hasta que en 1991 registran un material en forma de larga duración al que bautizan Slanted & Enchanted (algo así como Sesgado Y Encantado).

El mismo circula por casi un año entre esas verdaderas ciudades que son los campus universitarios, siendo muy preferido por los disc-jockeys de las radios de esos lugares y llamando virulentamente la atención de críticos musicales. Este es otro mérito de Pavement, haber sido pioneros en el movimiento del rock estadounidense de los '90: el college rock o rock universitario. De hecho, fueron una de las primeras bandas en ganar notoriedad desde la independencia nativa a ese movimiento.

Y ahí está otro motivo por el cual Pavement, pese a ser poco reconocida, es de lo más importante que le haya pasado al rock en los últimos veinte años: bandas como ellos, y sellos como Matador Records (que los catapultó), alzaron una bandera que fue ganando más y más preponderancia y notoriedad como propaladora de artistas a lo largo de los años y los países: el indie, padre del archifamoso indie rock. Con su propuesta única y rebosante de creatividad supieron mostrarle al mundo que no siempre lo que lanzan las grandes disqueras es lo que importa.

Volvamos, entonces, a revisar su historia. En 1992 Slanted & Enchanted fue oficialmente editado por Matador y, con él, nació la aplanadora Pavement: en cuestión de un par de años editan más y más discos, uno mejor que el anterior y todos clásicos del rock. Crooked Rain, Crooked Rain sale en 1994; Wowee Zowee en 1995 y Brighten The Corners en 1997. En estos álbumes, Pavement muestra una notoria capacidad para escribir y tocar tonadas incuestionablemente pop pero con un gancho rockero.

Guitarras filosas, un fino sentido del humor, buenas armonías vocales y una melodía a prueba de balas ya eran marcas registradas del por entonces quinteto: Mark Ibold se había sumado en bajo, Steve West en batería y Bob Nastanovich en percusión. La suma de miembros les permitió expandir su experimentación hacia dispares géneros y estilos que demostraron las irrevocables aptitudes y actitudes de la banda, una vocación por el cambio y la superación muy loables y siempre bien logrados.

Pese a que la masividad siempre les fue esquiva, gozaron de una popularidad y un prestigio enormes hasta su separación en 1999 (antes habían lanzado su canto del cisne, Terror Twilight). Tanto es así que desde el fin del grupo se han lanzado varias impecables reediciones de sus LPs con decenas de agregados de canciones inéditas y no tanto. Ah! Porque también, amén de todo esto, eran sumamente prolíficos.

Recientemente Scott Kannberg tiró que tal vez se reúnan para su vigésimo aniversario, en 2009. En épocas de vueltas a diestra y siniestra, crucemos los dedos y mientras esperamos, disfrutemos:

El absolutamente hermoso "Silence Kid", tema que abría el segundo larga duración de Pavement, Crooked Rain, Crooked Rain (1994). Pequeño botón de muestra de una genialidad poco reconocida.

"Dicen que me fui del barrio...

Los Gatos, ese regreso que debería importarle a alguien.

... pero, ¿cómo? Si siempre estoy volviendo."
Aníbal Troilo

Como si necesitáramos otra evidencia para confirmar que el rock hoy por hoy debe, necesariamente, mirar hacia atrás como una especie de barajar y dar de nuevo, se puede decir sin miedo que 2007 es el año de las vueltas. Muchas bandas, la mayoría de ellas separadas hace un tiempo, han decidido reagruparse por las más diversas razones. Algunas sólo por diversión, otras por dinero, otras para revivir alguna carrera en proceso de descomposición, los regresos se cuentan por decenas y tienen, en algún caso, un sabor dulce.

Los dos retornos más afamados (y que más retorno económico tienen, sin dudas) son los de The Police (allá) y Soda Stereo (acá). Por un lado, los de Sting se embarcan en un millonario retorno a más de 20 años de su último show en 1984. La unión del mencionado amante del tantra con sus ex compañeros Summers y Copeland sabe más a pasar un buen momento que a sólo juntar un buen dinero, aunque una sea consecuencia lógica de la otra.

Por el otro, el también trío de Cerati, Bosio y Alberti se embarcará a partir de octubre en una gira, también de millones, que los mostrará reunidos a 10 años del célebre Último Concierto. Las millonarias cifras que trascendieron, más la apatía general de los miembros de Soda hacia esta reunión, hacen pensar más en un buen movimiento financiero y de marketing que en una idea de corazón.

Otros célebres regresos, tal vez sin la liquidez de aquellos mencionados pero con una buena dosis de calidad, son los de unos veteranos Los Gatos (acá) y Genesis (allá). Instado en primer nivel por el éxito que ha tenido un intenso movimiento de reediciones y revisiones de nuestro viejo rock, Litto Nebbia finalmente se amigó con su pasado y decidió juntar a sus viejos amigos para descoserla como hace treinta años, en shows muy ajustados y contundentes donde se destacó el misterioso guitarrista Kay Galiffi y no faltaron los invitados y un sentido homenaje al fallecido baterista Oscar Moro.

Entretanto, los ex capos del rock progresivo han decidido volver a diez años de su última grabación y a más de veinte de su último show. Con un aliciente: los originales que estarán en el tour serán sólo Phil Collins (voz), Mike Rutherford (guitarra) y Tony Banks (teclados) con el agregado de los frecuentes sesionistas del Genesis original, Chester Thompson (bajo) y Daryl Stuermer (batería); optando así por prescindir del cantante original del grupo Peter Gabriel y el guitarrista Steve Hackett. La motivación parece ser una mezcla de amistad duradera con una intención de revivir alicaídas carreras como solistas.

Otras vueltas afamadas nos muestran a un Bunbury (forzosamente?) amigado con su pasado y volviendo con los Héroes Del Silencio, a The Jesus And Mary Chain tratando de recuperar envión para sus carreras, a Rage Against The Machine superando a Audioslave y volviendo a lo que saben hacer bien, en fin... Todo un aluvión de regresos que nos muestran una sola cosa: que el mundo del rock está sumamente falto de ideas. Y necesita alimentarse de viejas y nostálgicas vueltas para sobrevivir.

De opiniones, verdades y arrepentimientos

[Fuente Suplemento Sí!, 31 de agosto de 2007]

La durísima declaración que podemos leer en el suplemento Sí! del diario Clarín del día de hoy no pertenece a ninguno de los implicados en la terrible tragedia de República Cromañón del 30 de diciembre de 2004. No no, estas palabras le corresponden a Horacio Gammexane Villafañe, histórico representante del mejor under de nuestro país comandando las seis cuerdas de La Sobrecarga ('83-'87), Todos Tus Muertos ('88-'98 y actualidad), Los Siete Delfines ('90) y, más recientemente, Responsables No Inscriptos.

Ahora, ustedes se preguntarán, qué tiene que ver esto con nada? Pues resulta que seguramente los muchachos del Sí!, zorros, entienden que Gammexane es un protagonista clave de los albores del under porteño y, como tal, habrá tocado en más sucuchos de mala muerte (acá, y en cualquier país) de los que muchos podemos contar. Su opinión, entonces, es autorizada en la materia.

Ahora bien, el dolor (entendible) del baterista de Callejeros Eduardo Vázquez, lo exime de la responsabilidad judicial que le endilga Gammexane (y muchos más, obviamente)? O es simplemente una consecuencia de una cadena de omisiones y descuidos criminales que lo tiene como protagonista necesario?

No era para tanto, al final

71%How Addicted to Blogging Are You?

Y yo que estaba preocupado. Vieron que no hay que ser tan alarmista?

En realidad, ahora que lo pienso... Mmmm...

Recomendatto

Los amigos de unaRadio.com.ar, una de las mejores radios online de nuestro siempre vilipendiado país, lo han hecho de nuevo. Y es que podemos insultar para nuestros adentros al mainstream nacional, pero si sólo removemos un par de obstáculos nos encontraremos con lo bueno.

En este caso, el obstáculo mayor es la distancia desde el origen de los protagonistas de este post hasta la Capital Federal; lo que hace pensar que la famosa frase "Dios está en todos lados, pero atiende en el Centro" es cierta. Es que la injusticia de la falta de notoriedad ha alcanzado a una troupe de entusiastas músicos oriundos de La Plata, la preciosa ciudad de las diagonales.

Estos pibes, agrupados en el maravilloso sello LAPTRA, van a venir a Buenos Aires, entonces, y esto es gracias a la gestión compartida de La Sede Producciones y unaRadio. LAPTRA, Uds. saben (y si no saben, se enteran) es una pequeña disquera que alcanzó cierto renombre gracias a editar los discos de Él Mató A Un Policía Motorizado. Pero, obviamente, hay mucho más que el garage furioso de Él Mató... en las arcas de los platenses.

Todos los miércoles de septiembre bien tempranito en el Club de Cultura Plasma, entonces, podremos disfrutar de una selección laptrense apta para todo público; dentro del ciclo Transmisión Directa, que de seguro nos dará más de qué hablar en un futuro no muy lejano.

Todo por un bono contribución de sólo do' pesito'. La grilla para este evento, entonces, se compone de:

Miércoles 5
20 hs. Niño Elefante
21 hs. Reno Y Los Castores Cósmicos

Miércoles 12
20 hs. Los Japón
21 hs. Prietto Viaja Al Cosmos Con Mariano

Miércoles 19
20 hs. Huracán
21 hs. 107 Faunos

Miércoles 26
20 hs. Aviones Del Futuro
21 hs. Shaman Y Los Hombres En Llamas

(Además, musicalizando todas las jornadas, los muchachos de Él Mató A Un Policía Motorizado.)

Lugar Club de Cultura Plasma, Piedras 1856
Fecha Todos los miércoles de septiembre
Horario de inicio 19 hs.
Escuchalo en: unaRadio.com.ar

BAFIM: Sensaciones encontradas

Se armó la segunda edición de la Feria Internacional de la Música de Buenos Aires (BAFIM), otra producción de Telerman Entertainment Group (?).

Ahora hablando en serio, uno de los emprendimientos más palanqueados por la gestión del hincha de Atl*nta tiene su continuación. La primera edición, allá por mediados de noviembre del año pasado, había sido una verdadera bocanada de aire fresco. Una propuesta realmente diferente y que entusiasmaba entre medio de las duras medidas post Cromañón, esas que habían hecho que el under porteño (tan excitante como ecléctico) se viera envuelto en controversias y tuviera que soportar restricciones de todo tipo.

Así pudimos, en cuatro días, recorrer una feria de esas tan típicamente modernas, con puffs y otros lugares de dispersión tan chic como estúpidos; pero también con stands de variopintas discográficas independientes (Estamos Felices estaba, Azione también, etc.) y, fundamentalmente, con muy buenos shows musicales. Pasaron por los distintos escenarios del BAFIM Litto Nebbia, Malosetti, Bochatón, Flopa, Gordöloco Trio, Minimal, Juana Molina, la P.O. Reincidentes, Gabo, entre otros.

Este año, la apuesta parece ser otra. Aparentemente la propuesta de 2006 fue bastante exitosa, porque en 2007 se agrupan bandas más eclécticas pero también parece haberse bajado un escalón: ya no hay propuestas como la que presentó a Minimal o Bochatón reversionando temas argentinos de los '70 y '80, o los cruces musicales que juntaron a los increíbles Morgado y Sujatovich o a Gordöloco Trio con el líder de Pez. Ahora es todo show tras show tras show, al palo y en siete escenarios.

Y con intérpretes peculiares: Virus, Hilda Lizarazu, Raly Barrionuevo, Villanos, Antonio Ríos, Massacre... Todo apunta (parece) a juntar bandas como se pueda, donde se pueda, a atraer gente con shows musicales gratuitos. Parece no haber un filtro de calidad, al menos a vuelo de pájaro. Todo aquel refinamiento, esa armonía que hubo en la edición pasada aquí no aparece. Se agrega un día, eso sí. Pero a costo de qué? Es realmente productivo querer atraer cuanta gente se pueda, o suena más a una idea populista que desvirtúa la verdadera intención del BAFIM (esto es, vivar a la música por la música misma)?

Vamos, entonces, a ver qué sale. En la grilla (que se baja acá en PDF) hay alguna que otra cosita interesante como:

Jueves 30
18.30 hs. Los Natas
19.30 hs. Dante + DJ Toy (Control Machete)
20.30 hs. Artista sorpresa (Massacre?)

Viernes 31
15.20 hs. Los Álamos
21.30 hs. La Chilinga

Sábado 1º
17.00 hs. Aca Seca Trío
18.30 hs. Orquesta Típica Fernández Fierro

Domingo 2
18.30 hs. Mimí Maura
20.30 hs. Artista sorpresa (?)

Lugar Predio Ferial El Dorrego, Dorrego y Zapiola
Fecha Miércoles 29 de agosto-Domingo 2 de septiembre
Horario 15 hs. - final del último show

Los García, enésimo episodio

[ Fuentes Rosario3.com | InfoBAE sobre cable de DyN ]

Como la verdad que no tenía sobre qué cuernos escribir, recurrí a la siempre fecunda prensa de nuestro país. Sabemos que tenemos unos medios constantemente rayanos en el amarillismo y con clara tendencia no sólo a la exageración sino al periodismo de espectáculos. Así, cualquier noticia (aunque se trate del sismo en Perú, o de esta bizarrez) es tratada con el mismo tono entre burlón, irrespetuoso y decididamente metiche.

En este caso, se da claramente una de las premisas. En la nota publicada en el día de hoy por Rosario3.com (las cosas más inesperadas se encuentran en los lugares más extraños) y categorizada bajo la etiqueta de ¿En serio? junto a una sobre una mujer que espera septillizos (!) o sobre una provincia que denuncia que otra le "robó" un río, se cuenta con una falta de detalle alarmante cómo, aparentemente, el ya tristemente célebre Migue García le habría roto la mandarina en gajos al también infausto Pipo (se llamaba Hugo!) Cipolatti.

Parece ser, según R(olling)S(tone)LA.com, que un ofuscado Migue fue a buscar a Cipolatti a su departamento en Congreso, molesto por las declaraciones de Pipo acusándolo de ser el responsable de subir a Internet el demoradísimo Kill Gil de papá Charly. Repasemos, entonces, los dichos del ex líder de Los Twist:

"Migue García metió el disco de Charly en Internet. Lo hizo para cagarle la carrera al padre". [...] "Lo que filtró lo robaron de la sala donde yo vivía".

[ Fuente Suplemento Sí! ]

No contento con la reivindicación dialéctica que aparece en la misma nota ("Pipo era una buena persona, que no superó las desgracias en su vida que lo conviertieron en un racista"), un efervescente Migue (hijo 'e tigre!) trompeó repetidamente a Pipo hasta enviarlo al hospital Ramos Mejía con cortes en el rostro producto, claro, del estallido de las gafas de Cipolatti.

Según consigna un tipo que del culebrón García sabe y mucho, Sergio Marchi, la acusación del muchacho del peinado multicolor contra el amigo de Lucas Martí es improbable.

Sin embargo, es un nuevo episodio en la turbulenta existencia de dos personas que no pueden manejar la lucha de egos en la que están insertos. Lucha que, como me encargué de demostrar, es muy mal cubierta por los medios; aunque sea bastante fácil informar bien. Yo lo hice en quince minutos, con un amigo como única ayuda.

Genialidad automática

Para que yo corte la seguidilla de bandas under que agrupé bajo la amable etiqueta de joyas, tiene que pasar o haber pasado algo bastante interesante. Y sí, ese algo pasará más pronto que tarde. Es que durante este 2007, presuntamente en abril, el genial y por demás prolífico John Anthony Frusciante nos deleitará con la parte 2 de una joya que tuvo su alucinante comienzo en agosto de 2004: Ataxia. Allá, hace dos años y medio atrás, el bueno de Frusciante estaba en medio de su correntada compositiva más significativa, aquella que nos trajo seis discos en seis meses. Ya se había reunido con el multiinstrumentista Josh Klinghoffer y estaba por editar Shadows Collide With People y The Will To Death cuando se encontró con Joe Lally, bajista de los geniales Fugazi, y le ofreció ocupar ese rol en estas presentaciones. Pero de repente el siempre impulsivo (y siempre genial) John se dio cuenta allí, en ese momento, que necesitaba nuevas músicas y no usar a Lally sólo como sesionista. Su creatividad y el talento de sus compañeros lo inspiraron a crear de la misma manera en que lo venía haciendo hasta allí: despreocupadamente. Haciendo sólo música por el placer de ésta, sin planes ni preconceptos.

Así, con la improvisación como mayor fuerza compositiva, nació Ataxia, o Frusciante-Lally-Klinghoffer. La idea era simple: un bajo repetitivo y ordenado ensamblando largas discurrencias de guitarra y batería. Ataxia, en griego, es "desorden". El concepto era éste, entonces: desordenar para crear algo ruptural, nuevo. Dos semanas en febrero del 2004 bastaron para que la banda compusiera suficiente material para dos álbumes: aquel Automatic Writing de 2004 y (el próximo a editarse) Ataxia II. Rock progresivo en la vena de The Mars Volta (amigos, claro, de John), impulsivo y poderoso. La voz de Frusciante (y consecuentemente la de Lally, el otro vocalista del trío) como una especie de guía maestra que une los diversos y heterogéneos fragmentos de música en un todo alucinante y, sobre todo, viajero.

Más allá de lo genial de estos tres tipos, y de como sin expectativas pudieron lograr un disco que impacta por calidad, ambición y creatividad, todo me pone a pensar en Frusciante. Su rol como guitarrista en Red Hot Chili Peppers sigue opacando de manera constante y algo exasperante una genialidad real y tangible, y una sensibilidad poco vista en el mundo del rock. Cierto es que los Peppers son los Peppers, pero a veces resulta redundante escuchar que, mientras éstos venden millonadas y son reputados como grupo clave del rock actual, Frusciante es prácticamente ignorado por el grueso del público. No así por la crítica, lo que sigue resultando molesto. De falta de qué adolece John? Publicidad? Marketing? Probablemente.

Por suerte los que ambicionamos algo más, podemos encontrarlo a Frusciante con su frágil voz y su estrambótica guitarra, haciendo un rock para sí mismo, para el mundo y, lo que es más importante, para la música.

Joyas del under # 2: Sancamaleón

Dentro del agotado género de lo latino, tan de moda (y a su vez tan bastardeado) desde los revolucionarios intentos del Mano Negra de Manu Chao allá por principios de los '90, suele ser muy difícil encontrar un grupo que conjugue de una manera lograda, interesante e innovadora esta multitud de elementos que conforman lo latino: desde ritmos de ska, reggae y salsa hasta agresividades hardcore, punk y letras de una insurrección política que sugiera lucha (en lo posible armada y del pueblo), todo esto puede y debe estar incluido en la ecléctica y versátil mezcla que propone una banda que pueda catalogarse como de música latina.

Mano Negra lo tenía, y en demasía. No por nada hablamos de estos muchachos como los grandes iniciadores de un movimiento que tuvo como seguidores más cabales a tipos como Fermín Muguruza y, ahora mismo, a los simpáticos mendocinos de Karamelo Santo. Después de estos ejemplos, pocos son los casos que merezcan un recuerdo. Ahora mismo, nuestro país y nuestro under están repletos de grupos que tienen como objetivo proponer una especie de pueblada revolucionaria a través de esta música. Lo lamentable es que no existen muchas bandas que logren parar orejas y hacer que su mensaje llegue a la masa.

En medio de todo esto surgen unos muchachos, que ya llevan unos siete años juntos haciendo de esta coctelera de la que hablábamos más arriba casi una filosofía creativa: se trata de Sancamaleón. Chicos inquietos, los Sanca atravesaron de todo: desde diversos cambios de formaciones hasta, en 2002, un episodio de censura (por parte, como no podía ser de otro modo, del ComFeR) del polémico video de la canción "El Camino" a raíz de una denuncia pública del infame periodista (?) Daniel Hadad. Pese a todo, Sancamaleón siguió rodando haciendo rock, y del bueno: con dos EP bajo el brazo, en 2004 grabaron lo que sería hasta ahora su único larga duración: Cancionero Para Niños Sin Fe.

De la mano de unas líricas perturbadoramente poéticas, combativas (ver "La Venganza De La Pachamama") y con una alta dosis de humor; y uniendo ésto a una composición denodadamente ecléctica, eléctrica, movediza y contagiosa, Sancamaleón hizo de aquel Cancionero... uno de los mejores discos de aquel 2004 y siguió atacando, con la premisa clara de no quedarse quietos. Multitud de videos ganadores de premios, giras nacionales, recitales a sala llena en La Trastienda... Todo esto bajo el complejo manto de la autogestión que, sin embargo, parece haberles resultado a estos inquietos muchachos que simplemente no paran de hacer música de la buena.

Si no, escuchar "El Miedo", una salsa hiperkinética, y su mensaje lleno de ilusión: "salí afuera, que afuera sale el sol / Y no te olvides que no sos un robot / Y no permitas que controlen más tu vida / El miedo está en la mente". Todo lo que Sancamaleón exuda es una angustia inteligente, pues busca salidas en la propia realidad en lugar de evadirse. Repletas de verdades, las inspiradas letras que nos hablan de amor, de sexo, de la vida, de la soledad, del desengaño y un montón más de las más profundas emociones son la excusa perfecta para que no cometamos el gravísimo error de dejar de prestarle atención a un grupo tan alucinante como Sancamaleón.

Joyas del under # 1: Valle De Muñecas

Es difícil, y mucho, hablar de Mariano Manza Esain. Principalmente, porque lamentablemente nadie lo conoce demasiado o entiende muy bien quién es este genio. Y cuando digo genio, realmente sé bien de lo que hablo. Es que desde hace más de diez años, Manza (apodo que como todos los sobrenombres inteligentes o exactos, ya define a su destinatario más que su propio nombre) viene haciendo cosas muy interesantes. Primero fue esa joyita mod de principios de los '90, el Martes Menta que capitaneó junto a su (ex?) inseparable Ariel Minimal. Después (como si aquello fuera poco) invirtió años de su carrera en silenciosa capitanía de otra gema perdida del under, los impresionantes Menos Que Cero. Y para peor el tipo, después de dedicarse a producir grandes discos de grandes bandas (no sólo Pez, pero sí principalmente), participó en el también delicioso proyecto Flopa Manza Minimal (escribiendo cosillas como "Dejadez"...). Bueno, ahora nos "ataca" (es un decir, más bien nos alegra) con su última invención, Valle De Muñecas. Claro, no decepciona.

Aunque el nombre del grupo nos remita al clásico clase B de Russ Meyer Beyond The Valley Of The Dolls, podemos decir con seguridad que no hay nada clase B en este proyecto. Hace ya cuatro años que Manza se unió, inteligentemente, a su ex compañero en Menos Que Cero Fernando Astone, añadió a su hermano Luciano y a Leandro De Cousandier (ex miembros de otra genialidad extraviada en la vorágine, Plaimobyl) y, aplicando un poco de todo lo aprendido en este extenso periplo rockero, se dedicó a una banda que lo definiera, lo mostrara tal cual es. Lo logró con Valle De Muñecas. Aquí hay Martes Menta, hay Flopa Manza Minimal, hay Menos Que Cero. Pero no desde los estilos, sino desde una definición: esta banda nos trae a un Manza puro, real, genial. Mucho le sirvió aquí, dice él, su experiencia en la producción, extensiva e inteligente.

Es que el sonido es hermoso, a la vez desolador y esperanzado. Las guitarras acústicas se entreveran amistosamente con esas distorsiones oscuras que pintan paisajes muy londinenses, pero también tan porteños como el dulce de leche. Esas son (parece) las dos influencias de Manza. Puede pintarte el sopor de una Inglaterra llena de lluvias, o la angustia de la Buenos Aires 5 a.m., cubierta de soledades y de un sol que teme asomarse. Hace intrínseca la idea de que la tristeza, el no poder volver pero tener que seguir, puede atacarte siempre, en cualquier lugar. Como pudieron hacerlo tipos como los mods o Cadícamo, ustedes elegirán.

Escuchando el (hasta ahora) único disco de Valle De Muñecas, el increíble Días De Suerte (2005), parece estar lloviendo siempre, y las letras, preciosas, poéticas hasta la médula, se adueñan del dolor de cualquiera haciéndolo propio. Pero Manza siempre fue lo suficientemente ducho en esto de representar a la perfección sensaciones de dolor, abandono, encierro, desolación impregnándolas de ese vaho de esperanza que te pinta un sol por entre la tormenta. Eso es lo que hace sus letras, sus canciones, tan válidas de escuchar, es lo que emociona (por no mencionar, claro, que su voz es tan inentendiblemente melodiosa que, desgañitándose de espera, no puede dejar de enamorar).

Parece (es) demasiado cruel que, después de lastimar tanto, sus canciones te terminen dejando con la idea de que siempre se puede seguir mirando para adelante. Es ahí cuando te das cuenta de lo genial que es Manza, y de cuán poco se lo tiene en cuenta. Es la magia del under, vio?

Armonía

Hacía rato que no se oía de él. Sin embargo, nadie podría decir que estaba perdido, o que no estaba trabajando. Es que si hay una característica conocida por la que el Señor (sí, así, con "S" mayúscula) Litto Nebbia se ha ganado fama es justamente ésa: su capacidad de, desde las sombras de la independencia musical, estar ahí. Siempre. Esquivos le han sido a Litto los caminos de las grandes multinacionales, pero eso no parece importarle: como no podía ser de otro modo, se enfrentó a la circunstancia y fundó Melopea Discos, un rincón indie desde donde edita gemas de ésas para pocos, amén de también producir sus propios trabajos discográficos (los que como es debido en un compositor prolífico como Litto, suelen abundar).

Esta última característica, sin embargo, es la que nos tenía "preocupados" a todos. Hacían exactamente cuatro años que Litto no publicaba un álbum de material nuevo, ocupado como estaba en difundirle al mundo las preciosas gemas de Melopea. En el año 2004, la mayoría volvió a recordar a Litto (en obvia clave nostálgica) cuando hizo una estelar aparición en el disco solista de Ariel Minimal Un Hombre Solo No Puede Hacer Nada. Esta bonita página sería, entonces, el preludio de lo que a posteriori celebro en este post: el triunfal regreso a las bateas mayores del rock de un tipo que nunca debió haberse ido de ellas.

Y es que Nebbia volvió. Lo hizo, afortunadamente, de la mejor manera posible. Lejos de sus épocas eclécticas, llenas de músicos de conservatorio como César Franov, Bernardo Baraj, Domingo Cura o Fats Fernández, esta vez optó por su mejor cara: el rock, hecho y derecho. El rosarino juntó en un mismo grupo a dos de los mejores músicos que haya enlistado en los últimos años: el baterista Daniel Colombres (acreditado, entre otros discos, en Yendo De La Cama Al Living y El Amor Después Del Amor) y el joven y talentoso bajista Federico Boaglio. Unan a ésto la decisiva participación de Ariel Minimal en la guitarra y tendrán como resultado la nueva agrupación de Litto: La Luz.

Por qué es decisiva la participación de Minimal en La Luz? Bueno, las evidencias se demuestran más que claramente en el primer registro discográfico de la banda, el genial Danza Del Corazón (2005): no sólo aporta su talento en las seis cuerdas y una prodigiosa voz para los coros, sino también motiva a Nebbia a que vuelva a la guitarra, vicio que tenía olvidado en favor del piano. Esto resultó, a su vez, en la conclusión de un ambicioso proyecto con pronta fecha de publicación: el disco doble + DVD No Sé Si Entendiste, Nena, donde Litto consigue al fin plasmar su homenaje al blues. Hay un par de anticipos en Danza Del Corazón que nos hacen esperar mucho de este material: caso símbolo es la apertura del álbum, el "Blues Del Día".

Litto, por suerte volviste. Para alegrarnos la vida a todos con preciosas gemas beatlescas como "¡Qué Mujer!" (donde, reconozco, la armonía de Los Súper Ratones tiene mucho que ver), hacernos pensar con la excelsamente armada "Canción Del Bosque" (rebosante de delicadeza), en fin... Para recordarnos que no hace falta hacerse notar para estar. Sencillamente alcanza con mostrar vitalidad y originalidad, manifestarse a favor de la unicidad y del propio camino. Como bien lo dice el propio Nebbia en otra de las beldades de su última producción, "Armonía (Es Lo Que Necesito)", "lo que el mundo necesita es armonía". Y ahí está el rosarino, listo para brindársela a quien la quiera escuchar.

Lo mejor del año parte 2: de allá

Cuando a una banda tan legendaria como Pearl Jam le pasa lo que les ocurrió a estos genios en Roskilde, Dinamarca, en 2000, muchas cosas empiezan a ser sopesadas. En especial si los miembros de esa banda, para el momento donde ocurren los hechos, bordean la fatídica edad de 40 años. Aquel desastre, esa tragedia, marcó al grupo a fuego. Tanto, que determinó una cada vez más creciente aprehensión de los de Eddie Vedder por tocar en vivo, y revivió en ellos una llama humanística/filosófica que los marcó claramente. La consecuencia más lógica de este golpe terrible al grupo fue una notable reflexión en forma de disco. Riot Act se llamó el álbum, siendo su nombre una clara alusión al suceso.

Salió en 2002, y los mostró lejísimos de su clásica estructura rockera, más cercanos a un espíritu folk de neto tinte reflexivo, y con fortísimas alusiones tanto a aquella tragedia y sus sensaciones (la ya clásica línea de "Love Boat Captain" "Lost nine friends we'll never know / two years ago today" y la conmovedora "Arc", por ejemplo) como al naciente gobierno de George Walker Bush, las fraudulentas elecciones en las que triunfó y su ánimo belicoso. Se trató de un disco clave en la carrera de Pearl Jam. El más decisivo hasta la fecha.

Porque cuatro años después, el grupo volvió a las bateas con el autotitulado Pearl Jam. Y otra vez, shockeó. Ahora, ya definitivamente enemistados con la política de Bush, lograron un disco incendiario, definitivamente el más poderoso que hayan hecho desde su fantástico debut Ten (1991). Hacía muchísimo tiempo que no se los veía tan poderosos, tan verdaderamente enfurecidos, tan rockeros. Aquella faceta reflexiva era violentamente revisitada en lo que se demostraba como una fortísima lección de verdadero rock n' roll. Ya nadie duda por qué Pearl Jam, habiendo tantas bandas y artistas de esa época, es casi el único sobreviviente del grunge de Seattle.

Porque se han demostrado sólidos durante toda su carrera, capaces de reinventarse sobre la marcha y variar de acuerdo a una inquietud constante. Han aprendido de una carrera extraña y convulsionada, de una discografía que, pese a tener pocos álbumes oficiales, es extensa (debido esto, claro, a la enorme serie de discos en vivo que poseen) y de un periplo que también lo es. Hoy miran hacia atrás, pero también viven, con frustración, un presente extraño. Contra ello reaccionan, como siempre, pues jamás pensaron que el mundo terminaría siendo lo que es hoy.

Lo mejor del año parte 1: de acá

A riesgo de tener la mala suerte de que, en los 25 efímeros días que le quedan a este 2006, caiga ése álbum que nos vuele el marulo a todos los rockeros, voy a comenzar con la encomiable tarea de analizar, a mi criterio, los mejores discos de este año en dos partes: local e internacional. Como debe ser, he de comenzar nombrando al artista (o banda) argentino que más me ha impactado con una producción discográfica en estos doce meses. Se trata, en este caso, de un solista que apareció hace muy poco tiempo, pero que en ese corto lapso nos ha iluminado a todos con una música bellísima, una voz prodigiosa y unas canciones hermosísimas: el señor Gabo Ferro. En este 2006, Gabo editó una veloz continuación a su primer producción solista Canciones Que Un Hombre No Debería Cantar (2005), Todo Lo Sólido Se Desvanece En El Aire. Y, otra vez, como el año pasado, deslumbró.

Recapitulemos: durante la década del '90, Ferro se hizo un nombre en el under porteño como voz de una de las tantas bandas de la movida BAHC (Buenos Aires Hard Core), Porco. Allí, empezó a mostrar una voz extraña, demasiado armoniosa y melódica para un grupo de esa pesadez. Al mismo tiempo, comenzó una amistad de larga data con gente como la (entonces) bajista de Mata Violeta Flopa Lestani y el líder de Pez Ariel Minimal, quienes serían claves en su vida años después. Porque resulta ser que un día de 1998, Gabo decidió dejar todo. Se bajó (literalmente) del escenario, se "retiró" de la música y se puso a estudiar Historia.

Pero luego, instado por Minimal, Flopa y el poeta cordobés Vicente Luy, decidió regresar al mundo de la música. En 2005 editó el mencionado Canciones..., una gema de demostraciones de folklore-rock acústicas grabadas en vivo en estudio. El innegable parecido de la voz de Gabo con la de Miguel Abuelo, la crianza folklórica de éste y su poética increíble sorprendieron a propios y extraños. Tanto, que casi lo obligaron a dar más. Y Gabo dio más, nomás: poco después nos regaló Todo Lo Sólido..., un disco que, aunque diferente, se le asemeja a su antecesor en más de un sentido. Y hasta hace lo imposible: lo mejora.

Porque allí donde Canciones... escatima en arreglos, ofreciendo una propuesta más despojada que hace hincapié en la deliciosa voz de Ferro, Todo Lo Sólido... va muchísimo más allá. Los abuelescos tonos de Gabo están, pero son acompañados por preciosos arreglos que incluyen, gracias a los muchos invitados, variopintas ideas en un mismo y coherente disco: pianos (Pepo Limeres de Pez se lleva los lauros), violines, contrabajos (a cargo del ex Don Cornelio Y La Zona y actual Me Darás Mil Hijos Fede Ghazarossian), acordeones (Flopa dice presente) y mucho más, en un crisol estilístico envidiable.

Gabo, más allá de lo genial de sus alegatos políticos - idealistas - humanistas, es un estupendo músico, con una saludable ambición por mostrar ideas de maneras poco convencionales. Por eso pasa de furibundos country-rocks como "El Agua Sabe" (con Pez como banda soporte, qué lujo!) a preciosos momentos a capella ("Dios Me Ha Pedido Un Techo" y su manifiesto anti-eclesiástico, momento intenso), a tiempos más folklóricos como en "Mi Vida Es Un Vestido" (una fábula transformista que ataca los principios sexistas occidentales) o "Beso Al Beso", a intentos de tinte balcánico como "Están Dopados Los Enamorados?" y así sucesivamente, con estilos variados y aparentemente dispares, uniéndolos en una lección de coherencia y talento.

En el ínterin, la inquietud exploratoria de Gabo es satisfecha en una obra digna de muchísima admiración y hasta pleitesía. Un disco para escuchar (mucho), guardar (celosamente) y rescatar (siempre).